Gaia Banfi est une chanteuse, auteure-compositrice, musicienne et productrice italienne, née le 7 janvier 1998. Son travail artistique s’enracine dans l’expérimentation et la fusion de chanson, tradition et électronique. Des voix aériennes et des timbres contrastés se mêlent à des influences électroniques et des sons distordus, poussant parfois la musicalité à ses limites, dans le but de faire de la voix un véritable élément de production musicale. Fille de Baffo Banfi, claviériste emblématique du groupe de rock progressif italien *Un Biglietto per l’Inferno*, Gaia grandit entourée de musique.

Milkweed décrit son style comme du slacker-trad, ce qui est à la fois vrai tout en étant insuffisant. Depuis trois ans, Milkweed affine une formule : prendre un matériau existant (un journal de folklore, un livre sur les mythes gallois, un autre sur les restes humains de l’âge du bronze, et plus récemment la traduction d’une austère maîtrise par Thomas Kinsella du Táin Bó Cúailnge), découper les mots et les passer dans une déchiqueteuse faite de production lo-fi et de musique folk expérimentale.

À première vue, leurs préoccupations musicales sont transatlantiques : ils suivent la riche ligne créative qui relie la musique traditionnelle britannique aux chansons et aux airs de l’est des États-Unis. En réalité, leur horizon est mondial et ancré dans des temps immémoriaux, avec des influences préhistoriques qui se répercutent dans une époque moderne troublée et troublante. Il en résulte une musique qui ne se laisse facilement classer nulle part, mais qui ricoche entre une folk envoûtante et une expérimentation hantologique déconcertante.

Hatis Noit est une performeuse vocale japonaise originaire de la lointaine région de Shiretoko, à Hokkaido, et résidant aujourd’hui à Londres. L’étendue remarquable de sa voix est étonnamment autodidacte, nourrie de tout ce qu’elle a pu découvrir, depuis le gagaku — musique classique japonaise — jusqu’aux styles lyriques de l’opéra, en passant par les chants bulgares et grégoriens, ainsi que les voix avant-gardistes et pop.

Dix ans après sa création, quatre albums et de multiples collaborations plus loin, La Tène revient avec Moreïne/Déclives, un disque qui sonne comme une fête autant qu’un bouleversement. Fidèle à son identité, La Tène continue d’explorer les failles entre tradition et expérimentation, entre bourdon hypnotique et gestes répétés, mais choisit ici d’avancer en terrain inédit : la vielle à roue, instrument emblématique du groupe depuis ses débuts, disparaît au profit d’un dispositif resserré autour de deux percussions électroniques et d’un travail de dub.

Le son de Duo Ruut repose sur le terrain commun qu’explorent ensemble deux jeunes musiciennes et autrices-compositrices aux parcours et aux goûts assez différents, Ann-Lisett Rebane et Katariina Kivi.

Leur univers sonore associe une seule cithare estonienne et deux voix distinctes. Inspirées par les traditions de leur héritage estonien, elles puisent leur inspiration à la fois dans les croyances de différentes cultures et dans leur propre écriture contemporaine et émotionnelle.

Saint Abdullah & Eomac réunit les frères irano-canadiens Mohammad et Mehdi Mehrabani-Yeganeh avec le producteur irlandais Ian McDonnell dans une collaboration transcontinentale qui franchit les frontières culturelles et géographiques. 

Travaillant à distance entre New York et Wicklow, en Irlande, depuis 2019, ces admirateurs mutuels ont découvert que leurs approches de production distinctes — les explorations de matériel analogique de Saint Abdullah et la précision numérique d’Eomac — créent une palette sonore complémentaire, caractérisée par des textures brutes, un échantillonnage intensif et des contrastes extrêmes.

La radicalité artistique de Stick in the Wheel, duo originaire d’East London, surprend par un mélange des instruments rustiques et acoustiques (guitare dobro, accordéon) avec des percussions sèches, entrainantes. Ces sonorités brutes sont parfois contrebalancées par de surprenants effets ou l’utilisation de vocoder. 

La clarté du chant déclame des textes anciens au propos politiques forts et tout à fait d’actualité : résistance, lutte de classe, contes ancestraux des villes et des campagnes remis au goût du jour… Stick in the Wheel dessine une carte sonore que l’ont peut rapprocher de The Ex, Dog Face Hermans, Chumbawumba : un esprit punk électrique dans des guiboles en bois.

Use Knife est le fruit de la rencontre entre l’énergie brute et sans filtre du chanteur et percussionniste irakien Saif Al-Qaissy — qui a fui l’Irak ravagé par la guerre — et les obsessions pour les synthétiseurs analogiques ainsi que la virtuosité aux instruments à vent du duo belge Kwinten Mordijck et Stef Heeren. Ce n’est pas une simple fusion : c’est de l’alchimie. Tandis que les voix arabes d’Al-Qaissy tranchent l’espace de leurs échos poétiques chargés de mémoire, le groupe érige des paysages sonores féroces, saturés de synthés, d’échantillons distordus, de percussions tonitruantes et d’une urgence politique palpable. Le résultat ? Un son qui frappe comme une émeute et résonne comme une prière.

Leur musique n’est pas seulement accrocheuse : elle est frontale, émotionnelle et profondément introspective. Use Knife ne se contente pas d’évoquer le choc entre l’Orient et l’Occident — ils le font entendre. Des grondements industriels se heurtent aux rythmes irakiens. Les pulsations EBM luttent avec des tonalités folk. Un bras de fer sonore qui, contre toute attente, trouve son harmonie.

Vivez l’expérience de RUN, une performance hybride unique combinant la course amplifiée aux sons amplifiés de plus en plus intense d’un instrument à corde joué avec une manivelle à main.

Ce spectacle en direct présente un rythme constant et progressif de la danseuse et improvisatrice Emilie Lafranceschina, tandis que le compositeur et joueur de vielle à roue Nicolas Virey explore toute la gamme de sons de son instrument, du folk et de l’expé à l’ambiant et cinéma.

MC KER·6 est l’avatar débridé de Bastien Fontanille, musicien toulousain et quercynois qui profite de ce costume pour agglutiner avec passion ses amours musicales de kitch mondialisé et de sons du terroir; avec son chant francitan, ses claviers et ses machines, il interprète des musiques du Quercy et d’Occitanie en rendant hommage aux multiples facettes des musiques populaires qui utilisent synthés et boîtes à rythmes : manele, dabke, electro chaabi, talava, azeri toy music… On y trouve des cabrettes et autres cornemuses samplées, des boucles de percussions saturées, des chansons autotunées faisant le grand écart entre folklore et boum boum électronique. Une tambouille unique pour ambiancer le dancefloor en mode mariage au bled des causses du Quercy !

Simon Lahure, alias DJ Startup, crée une musique de danse, à la fois joyeuse, envoûtante et hybride, mêle rythmes breakés aux accents big beat, IDM et UK garage, avec des influences de musiques folkloriques et de bandes originales de jeux vidéo. Inspiré par la scène traditionnelle contemporaine autant que par les codes de la musique à l’image, DJ Startup compose des sets où l’énergie de la rave se pare de l’imaginaire des contes.

Depuis 2022, Simon développe un live immersif en quadriphonie, pensé au plus près du public. Grâce à des racks MIDI fabriqués par ses soins, chaque performance devient une expérience sensorielle et festive, où la narration sonore se vit collectivement.

Stilton ou le baron de Colonnata pour les familiers, ne fait pas de ses sets un voyage mais plutôt un service en 12 plats. L’assiette arrive chaude, dedans c’est copieux et généreux en bouche, comme un bon étoilé poitevin. Dernièrement, il joue l’éclaireur direction l’orient mais pas question de déserter, il élève donc des Murailles de brillat-savarin et bakchiche pour les labels ottomans. Sa devise : « Au Champ Döner, ne jamais bé-tom, l’opinel est mon blason